jueves, 20 de junio de 2013

Children

"Esther Kroon was such an outsider. Children inspired her; and that was why she went out into the streets again and again, to the poorer areas of Amsterdam and Barcelona, where she found the children she was looking for. Sometimes she had to take pictures of a whole group of these urchins jumping around, before she got that one particular child in front of her camera. Sometimes she photographed a group of children, sometimes a pair. Had Esther been still alive, she would probably have made many more of these wonderful pictures. But sadly, this was not to be. On 20 January 1992, at the age of 25, she was shot by robbers in Antigua, Guatemala. They did not see this girl with her curious and positive attitude towards life. They just saw a tourist with a camera" - Rosan Hollak 




viernes, 7 de junio de 2013

Haring (III)

"(1) You are singled out in the "group" critically by art critics and/or the public. (2) This creates an interest in your works in the public and among art dealers and galleries. (3) They realize that this means they can sell the work, so they offer you exhibitions. (4) People buy the work, which enables you to work more, buy bigger/better materials and work space, and support yourself without doing un-art-related work. (5) This also means your fellow artists no longer see you as part of the "group" since now you make money, so your entire social situation changes around you. (6) You now are immediately thrust into the art "market" since people begin to buy the work. (7) Many people buy the work because it is still very inexpensive since you are still relatively unknown and your prices are fixed accordingly. (8) The more work you sell, the more demand there is by word-of-mouth by the people who are "collecting" it. Many people begin to think of you as a risky investment, but an investment nonetheless. Since the work is still inexpensive they can afford this small risk. (9) You produce even more works since you now have more time, money and a new audience and, of course, more offers for exhibitions because of the growing interest and the new "market" for this new "rising" artist. (10) As the demand increases the prices begin to go up. (11) Because you are being collected and exhibited more critics and journalists begin to write about the work. The "hype" of the art world begins to scalate. (12) Everyone feeds off this, including you. (13) Eventually the works begin to appear at auction, since the prices have risen substantially and some of these "investors" are eager to "cash in" now before a possible loss begins to set in. (14) These people who were "speculative" collectors probably don't believe in the value of the work in the first place and are eager to dump these things and make their next "risky investment" on some new "artist" they feel might be able to make them a few bucks. (15) Now the works at auction are in competition with the works you are still producing and a balance must be sustained. (16) The artist now must regulate his production to assure his ability to sustain this balance" - Keith Haring




lunes, 3 de junio de 2013

Haring (II)

Tres años después de haber acogido la fantástica retrospectiva de Jean Michel Basquiat, el parisino Musée d'Art Moderne (MaM) hace lo propio con otro de los grandes iconos generacionales de los ochenta: Keith Haring. Cumpliendo al pie de la letra con lo que reza el título de la exposición comisariada por Odile Burluraux, las 250 obras que conforman "The Political Line" tienen como objetivo involucrar de lleno al espectador con la faceta más política y militante del artista de Pennsylvania.
De hecho, basta con realizar un breve recorrido por su trayectoria para cerciorarse de su claro activismo en favor de causas tan diversas como la lucha contra el racismo y el Apartheid en África, la concienciación de los peligros que conlleva contraer el VIH y la necesidad de practicar sexo seguro, o el rechazo a la alienación que, a su juicio, provoca la religión y los medios de comunicación de masas, cuyo control atenta contra la libertad de pensamiento del individuo. Considerando Nueva York "la capital artística mundial" del momento, Keith Haring debutó en la ciudad que nunca duerme con sus famosos "subway drawings" aprovechando que, por entonces, siempre que quedaba algún espacio publicitario vacante en las marquesinas del metro, éstas se dejaban durante unos días recubiertas con papel de color negro. O lo que es lo mismo: convertidas en un improvisado lienzo sobre el que poder dibujar con una simple cera blanca. Con un trazo lo suficientemente ágil como para plasmar su mensaje en unos segundos sin acabar siendo detenido por la policía, las miles de personas que a diario cogían el metro se convirtieron durante meses en el primer público de Haring. Un público que, en poco tiempo, fue aumentando proporcionalmente a su fama, permitiéndole pasar de dibujar en el metro a volar en Concorde por el mundo entero. 
Consciente en todo momento de que sus días "estaban contados" -el virus del SIDA acabaría con su vida a los 31 años-, Keith Haring se propuso desde el principio tratar de dibujar "para el mayor número de público posible durante el mayor tiempo posible". Una hazaña lograda en apenas una década de inagotable trabajo en la que sus jeroglíficas formas recubrieron muros de hospitales infantiles, templos de la noche neoyorquina tan emblemáticos como el Paradis Garage, o directamente el cuerpo de iconos como Grace Jones en calidad de musa y obra de arte en sí misma. 
En cualquier caso, fuera cual fuera la superficie sobre la que dibujara, Haring siempre consideraba más importante la interacción entre el público que contemplaba su obra que la propia obra per se. Una sensación que describía como "ese momento en el que la pintura deja de estar en mis manos para formar parte de la libre interpretación del espectador"
Influenciado por artistas y escritores como William Burroughs -cuyos cut-ups inspiraron muchos de sus collages-, Brion Gysin -un outsider considerado el abuelo del graffiti que le ayudó a entender su trabajo aportándole un precedente histórico-, Matisse -cómo lidiar con la relación entre dibujo y color-, George Condo -"mi pintor favorito junto a Basquiat""tan inspirador hace que tengas ganas de irte inmediatamente a casa y ponerte a trabajar", o Andy Warhol -"su vida y obra hicieron la mía posible"-, otra de las obsesiones que persiguió a Haring era lograr que su arte fuera universal y comprensible para todo el mundo, firmando a menudo sus obras con la imagen del famoso niño radiante"el más claro símbolo de la pureza" que se va desvaneciendo a medida que nos vamos haciendo adultos -una idea retomada a su manera por artistas más recientes como Woodkid-. 
En este sentido, el CentQuatre complementa la retrospectiva del MaM con la instalación de una Pop Shop -originalmente ideada en 1986 con el fin de comercializar a un precio asequible todo tipo de merchandising para aquellos que no pudieran permitirse adquirir las obras expuestas en una galería- y el resto de trabajos de mayor envergadura como la descomunal "The Marriage of Heaven and Hell" (7m x 11m) o "The Ten Commandments", expuestos en una sala tan espectacular que resulta imposible no recordar una vez más lo mucho que Keith Haring merecía el reconocimiento que al fin parece estar teniendo 23 años después de su muerte.